Opinion : quel serait le marché de l'art idéal postpandémie ?

Bien avant la crise du Covid-19, il était évident que le monde de l’art s’était développé au-delà des limites d’une possible pérennité. Selon le rapport publié en 2019 par UBS et Art Basel sur le marché mondial de l’art, les ventes d’art aux États-Unis ont plus que doublé au cours de la décennie précédente, pour atteindre environ 30 milliards de dollars. Mais plus de 50 % de ces montants ont été versés à 5 % seulement des plus grands marchands, tandis que les ventes des 20 plus importants artistes vivants ont représenté 64 % du total. Melanie Gerlis, chroniqueuse de l’édition internationale de The Art Newspaper, a observé que le premier et le second marché s’étaient unifiés en un « marché limité de quelques-uns, reconnaissables et bancables ».

Même le conseiller Allan Schwartzman, qui était jusqu’au mois dernier directeur de la filiale Art Agency, Partners de Sotheby’s, a averti que le premier marché menaçait de s’effondrer. Les petites galeries, indispensables viviers de talents émergents, ne peuvent plus suivre en raison des loyers élevés et du ticket d’entrée trop onéreux pour participer aux foires, devenues des passages obligés. Et puis, tout s’est arrêté. Il est trop tôt pour prédire à quoi ressemblera le monde de l’art lorsque nous sortirons de cette interruption due à la pandémie. Certains craignent que seuls les méga-marchands et les maisons de ventes aux enchères survivent. Cependant, les plus grands acteurs ont également les frais généraux les plus élevés. Et bien que les ventes en ligne aient naturellement augmenté ces dernières semaines, elles ne génèrent pas les mêmes niveaux de revenus que les ventes physiques ou de gré à gré. Personne ne sait quand, ni si les gens accepteront de se déplacer et de se réunir dans des espaces clos, deux facteurs essentiels pour la réussite des ventes aux enchères physiques et des foires. Pendant ce temps, des milliers de salariés du monde de l’art ont perdu leur emploi et les musées font face à de graves problèmes financiers. Lorsque le monde de l’art sera à nouveau totalement opérationnel, il aura probablement réduit en taille.

En effet, pendant la majeure partie du XXe siècle, le milieu de l’art était beaucoup plus petit. Il comprenait un ensemble d’artistes, de collectionneurs, de marchands, de conservateurs et d’historiens de l’art qui tous partageaient une passion pour l’art. Cela a commencé à changer dans les années 1980, lorsque les maisons de ventes aux enchères ont décidé d’élargir leur clientèle, au-delà des professionnels du monde de l’art et des collectionneurs, aux personnes riches en général, qui se contentaient jusqu’ici d’acheter principalement des biens immobiliers, des yachts et des bijoux. La transformation concomitante des salles de ventes en lieu de ventes au détail a créé l’illusion que les enchères étaient comme la bourse et que les œuvres d’art pouvaient être échangées de la même manière que les actions. Le marché de l’art s’est encore développé, attirant une nouvelle catégorie d’investisseurs, de spéculateurs qui ont essayé de profiter du système pour réaliser des bénéfices à court terme.

Les gardiens traditionnels du monde de l’art, y compris les marchands, avaient jusque-là protégé leur royaume contre les formes les plus grossières du commerce moderne, mais, désormais, seul gagner des parts de marché importait. Des sacs à main Murakami aux poupées Kaws, les artistes se sont associés aux marques pour créer des objets de collection à prix variables. L’art en tant qu’expérience, né dans les années 1960 et 1970 pour protester contre la marchandisation de l’objet, a été transformé en divertissement pour amuser les foules, à l’instar du Museum of Ice Cream [musée de la crème glacée, à New York] ou de la Rain Room de Random International. Les réseaux sociaux ont transformé le public en promoteurs d’événements et d’installations destinés à être photographiés. Le capitalisme est un monstre affamé, et pendant son ascension sans opposition au cours des dernières décennies, il a englouti le milieu de l’art.

Dans un monde idéal postpandémique, tout cela devrait changer. Les œuvres d’art cesseraient d’être traitées comme des investissements, et les valeurs factices utilisées pour justifier ce postulat seraient abandonnées. Les foires et les biennales ne seraient plus un Disneyland pour les riches. Partout où les gens pourraient voir de l’art, ils l'aborderaient en direct, pour ses qualités propres, et pas uniquement à travers l’objectif d’un smartphone. Les personnes qui resteraient seraient le cœur du monde de l’art : ceux d’entre nous qui ont toujours été là par amour de la création, et non de l’argent ou du glamour.

Ces dernières années ont déjà été marquées par le refus des violentes inégalités socio-économiques du monde de l’art – les sources de financement et des mécènes parfois discutables et les préjugés raciaux et sexistes omniprésents. Même avant la crise du Covid-19, il était déjà grand temps de repartir à zéro.